El unico merito del tonto libro El Codigo Da Vinci es que en el mundo se hablara de Da Vinci. Porque se genero todo un esfuerzo (a mi juicio bastante absurdo) en demostrar que Dan Brown mentia o que decia la verdad. ¿Como probarlo? Si Jesus estaba casado, era gay, era venusiano, ¿como probarlo? No hay forma de hacerlo, porque el gran merito de Jesus fue precisamente no dejar nada fisico, ya que, como El mismo dijo, su reino no era de este mundo, y vino para salvar almas.
Algo parecido ocurre con Da Vinci. Pese a haber dejado una serie de testimonios escritos, incluso diarios de vida y de trabajo, su figura es un misterio. Lo que esta documentado es que nace en la ciudad de Vinci, cerca de Florencia, el 15 de abril de 1452, siendo hijo ilegítimo de Ser Piero di Antonio, notario de Florencia, y Caterina, quien se casó más tarde con Accatabringa di Piero di Vacca, vecino de Anciano. Muy joven pierde a su madre, lo que marca mucho su relacion con las mujeres (se puede ver en las pinturas de virgenes) por lo que es educado en casa de su abuelo paterno hasta que en 1469 viaja con su padre a Florencia quedando confiado a Verrocchio (1453-1488), quien se encarga de su formación pictórica. En su taller coincide con Perugino, Ghirlandajo y, probablemente, con Botticelli. De él tomó modelo Verrochio para su David del Museo Bargello. En 1472, Leonardo aparece inscrito en el registro de la Compagina di San Luca como pintor florentino. En 1476 sufre acusación de sodomía de la que fue absuelto. En esta etapa de su formación, Leonardo, estudia la anatomía humana participando en la disección de cadáveres
De esta epoca son Bautismo de Cristo (1472, Museo de los Uffizi, Florencia) obra de Verrochio en la que colabora Leonardo; La anunciación (1472-75, Uffizi); Retrato de Ginebra Vencí (1474-76, National Gallery Washington); Virgen Venios (1475-78, Ermitage, San Petesburgo); La adoración de los Magos (1481-83, Museo de los Uffizi) por encargo del convento de San Donato Scopeto, obra inacabada; La anunciación (1478, Museo del Louvre, París); La Virgen del Clavel (1478-80, Pinacoteca de Munich); San Jerónimo (1480, Pinacoteca Vaticana).
En 1482 se traslada a Milán, donde se ofrece a Ludovico Moro como arquitecto, ingeniero militar, pintor y escultor, siendo empleado como organizador de fiestas, creando complicados mecanismos que se utilizarán en fiestas, espectáculos y torneos. Ludovico le encarga una estatua ecuestre de su padre, Francesco Sforza, en grandes proporciones para situarla en la plaza del Duomo de Milán. Leonardo trabajó en ella durante dieciséis años y, aunque nunca fue fundida, dejó realizado un modelo de caballo de ocho metros que fue destruido en 1499.
Participa en discusiones sobre la construcción de las catedrales de Milán y Pavía. Durante sus diecisiete años de permanencia en Milán realiza las siguientes obras pictóricas: La Virgen de las rocas (1483-93, Museo del Louvre); Retrato de un músico (1485-90, Pinacoteca Ambrosiana, Milán); La belle ferronniére (1490-95, Louvre); Dama con armiño (1485-90, Museo Czartoryski, Cracovia); Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan Bautista (1498-99, National Gallery, Londres); y la Ultima Cena (1495-98, refectorio de Santa María delle Gracie, Milán).
En 1499 cae el ducado de Milán tras el enfrentamiento con Luis XII de Francia. Leonardo se traslada a Vaprio, Mantua, donde realiza el retrato de Isabel de Este (1500, Museo del Louvre) y luego viaja a Venecia, bajo el servicio de César Borgia para quien realiza trabajos de ingeniería militar. De vuelta a Florencia y siendo muy conocido en Italia, realiza su obra más notable y conocida, retrato de Mona Lisa o Gioconda (1503-06, Louvre). Este retrato representa a Lisa Gherardini, casada con Bartolomeo del Giocondo, mujer nacida en 1479. La obra fue adquirida por Francisco I por 12.000 francos. Otra obra de esta etapa es La Batalla de Anghiari (1503-05), pintura mural para la sala del Gran Consejo del Palacio Viejo de Florencia. Obra inacabada.
Se le encargan trabajos de ingeniería que fracasaron como, por ejemplo, los planos para desviar el curso del Arno.
En 1513 Leonardo viaja a Roma atraído por el mecenazgo del Papa León X de Medicis, aunque reside en Belvedere protegido por el cardenal Giuliano de Medicis, apartándose de la corte pontificia dominada por Rafael y sus seguidores. De esta etapa destacan San Juan Bautista (1510-13, Louvre) y Baco (1511-15, Louvre).
En 1515 se traslada a Francia invitado por el rey Francisco I dedicándose a estudios arquitectónicos para los castillos reales, atribuyéndosele la escalera interior de doble vuelta del castillo de Chambord. Leonardo reside en el castillo de Cloux cerca de Amboise donde muere el 12 de mayo de 1519.
Sin duda, la obra mas popular de Leonardo es la Mona Lisa. Sin embargo, la que realmente marca lo que es Leonardo en integridad es el Hombre de Vitrubio.
El hombre de Vitrubio es un claro ejemplo del enfoque globalizador de Leonardo que se desarrolló muy rápidamente durante la segunda mitad de la década de 1480. Trataba de vincular la arquitectura y el cuerpo humano, un aspecto de su interpretación de la naturaleza y del lugar de la humanidad en el "plan global de las cosas". En este dibujo representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo humano (por ejemplo, la proporción áurea).
Su nombre se debe a la inspiración que tuvo Leonardo de los estudios del arquitecto romano Vitrubio (Marcus Vitruvius Pollio ) a quien Julio Cesar encarga la construcción de máquinas de guerra. En época de Augusto escribió los diez tomos de su obra De architectura, que trata de la construcción hidráulica, de cuadrantes solares, de mecánica y de sus aplicaciones en arquitectura civil e ingeniería militar. Vitrubio tuvo escasa influencia en su época pero no así en el renacimiento ya que fue el punto de partida de sus intentos y la justificación de sus teorías. Su obra fue publicada en Roma en 1486 realizándose numerosas ediciones como la de Fra Giocondo en 1511, Venecia o la de Cesare Cesarino en 1521, Milán, dedicada a Francisco I.
Tomando parte de las ideas de Vitrubio, Leonardo desarrollo una imagen sintetizadora de la relación hombre-espacio: el hombre es el modelo del universo, al quedar inscrito entre un circulo y un cuadrado. El cuadrado es la base de lo clásico: el módulo del cuadrado se emplea en toda la arquitectura clásica, el uso del ángulo de 90º y la simetría son bases grecolatinas de la arquitectura. En él se realiza un estudio anatómico buscando la proporcionalidad del cuerpo humano, el canon clásico o ideal de belleza.
Pero, como comenzamos diciendo, hay aspectos de su vida y de sus ideas que no estan escritos, por lo cual muchas veces se puede especular sobre ellos a partir de sus obras. Esta especulacion puede partir del hecho mas curioso: Leonardo no ponía nombre a sus cuadros, incluso no los menciona en cualquiera de sus cuadernos, aunque no cabe duda de que son obra suya. Aproximadamente tres décadas después de la muerte de Leonardo, Giorgio Visari, su primer biógrafo, identificó alguno de ellos, como la Mona Lisa.
Uno de esos aspectos poco claros esta en un gesto que continuamente repitio en diversas pinturas, y que podemos ver con claridad en su retrato de Juan Bautista y Baco: la mano señalando hacia arriba.
Este gesto no tendria nada de particular (considerando que Baco es Juan Bautista tambien) si no lo vieramos en La Anunciacion de los reyes Magos (en el arbol, sobre la cabeza de una de las figuras, se ve esa mano misteriosa que no pertenece a nadie haciendo el mismo gesto que Juan Bautista);
en la Virgen y el Niño con Santa Ana y Juan el Bautista
Y, lo que hace mas inexplicable ese gesto: en la Ultima Cena.
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En uno de los tantos documentales sobre la vida y obra de Leonardo se hace un capitulo completo sobre Leonardo y este gesto. 'Los expedientes Da Vinci' mostraban que ese gesto estaba estrechamente relacionado con una corriente hereje que estaba en voga en aquellos tiempos, corriente que indicaba que este «gesto de Juan» puede apreciarse no solo en estas obras sino en otras Leonardo y también de otros pintores de la época. Se dice que representa una corriente subterránea de conocimiento y sabiduría, que tiene su sistema de creencia basado en la idea de que Juan el Bautista jugó un papel mucho más importante de lo que, por regla general, establecen las Escrituras. Según etsa herejia, cátara posiblemente, los evangelios señalan con frecuencia que Juan tenía discípulos, entre los cuales algunos se fueron con Jesús (Jn 1,35-37). No eran, por tanto simples seguidores eventuales; le acompañaban, le seguían y seguramente compartían su misma vida (Mc 2,18) y sus mismas ideas (Jn 3,22). Flavio Josefo distinguía dos clases de partidarios, unos que le escuchaban con atención hablar de virtud, de justicia y de piedad, y se bautizaban; otros que "se reunían en torno a él porque se exaltaban mucho al oírle hablar" (Antiquitates iudaicae 18,116-117). Entre los seguidores de Juan hubo quien llegó a plantear a su maestro si Jesús con su conducta estaba mostrándose como un rival (Jn 3,25-27), por tanto no lo consideraban como uno de los suyos. Ademas estaba el asunto del bautismo con una doble interpretacion: una, de que el Bautista era superior al bautizado, a Jesús, y otra, que siendo un bautismo de penitencia podría pensarse que Jesús tenía conciencia de ser pecador.
Lo complejo de establecer la verdadera creencia de Leonardo se puede ver en la historia de la Virgen de las Rocas. La imagen que tenemos arriba es el cuadro que esta en el Louvre, autoria directa de Leonardo. La de abajo es posterior, esta en la Galeria Nacional de Londres. Quien lo pinto fue uno de los discipulos de Leonardo, Ambrogio De Predis, bajo al supervisión de su maestro.
El 25 de abril de 1483, Leonardo da Vinci recibió el encargo de pintar el panel central de un gran retablo para la iglesia de San Francesco il Grande de Milán. La cofradía franciscana de Milán estipulaba en el contrato que la obra debía estar acabada el 8 de diciembre de ese mismo año. A la entrega del retablo comenzaron los problemas. Se ha especulado mucho sobre cuales fueron las causas del pleito entre Leonardo da Vinci y la Cofradía Franciscana. Algunos sostienen que los clientes quedaron descontentos ya que el maestro toscano no había seguido al pie de la letra las instrucciones para la ejecución del cuadro. La cofradía explicó detalladamente al artista sus deseos: basado en un pasaje que no consta en la Biblia, en el que la sagrada familia huye a Egipto y se encuentra con Juan el bautista y el arcángel Uriel, los monjes querian a María en el centro, vestida en tonos dorados, azules y verdes, acompañada de dos profetas, Dios Padre en lo alto y el Niño en una plataforma dorada. Es evidente que Leonardo no hizo caso de las indicaciones. En esta representación de la Virgen, el Niño y San Juan, donde se incluye además la figura de un ángel, Leonardo plantea una composición piramidal y centrada, ordenada mediante la disposición de las figuras y por las actitudes de las mismas, que confluyen en la visión del Niño como punto central. La posición de las manos de los personajes y sus actitudes marcan un ritmo apacible y van definiendo un círculo, establecido por las propias cabezas de los personajes, que complementa la centralidad establecida mediante la pirámide compositiva. La escena se enmarca en un refugio rocoso, absolutamente irreal y sobrecogedor. Pero parece ser que lo que en realidad sucedió es que Leonardo da Vinci no recibió el pago acordado. Hubo procesos legales que concluyeron en que el artista debía terminar el trabajo o alguien en su lugar debía hacerlo por él.A raíz del litigio se realizó la segunda versión del cuadro, cuya ejecución corrió a cargo de De Predis, bajo la supervisión de Leonardo. Esta segunda versión es la que actualmente se expone en la National Gallery de Londres. Si comparamos ambos cuadros, en esencia son el mismo, ya que los personajes no cambian, y estan en casi las mismas posiciones. Pero los gestos son diferentes: en el primero es dificil saber quien es Jesus y quien es Juan Bautista. El cuadro original presenta a dos niños, uno bajo la protección del manto de la Virgen María y otro junto al Arcángel Uriel (asociado tradicionalmente a Juan el Bautista). Se supone que la persona que apunta con el enigmático dedo es Uriel y por consiguiente el niño que esta debajo es Juan el bautista. El angel señala a uno de los niños, mientras la Virgen protege a uno y pone un gesto amenazante sobre otro, como advirtiendole de su proceder. En la segunda version esa ambigüedad desaparece, atribuyéndosele rasgos identificativos a los niños y suprimiendo el gesto entre amenazador y acusativo del Arcángel. En la primera versión, a simple vista quien parece bendecir es Juan el Bautista mientras que es Jesús quien recibe la bendición ante el dedo inquisidor de Uriel, que mira hacia el espectador. En la segunda, por el contrario, la cruz del Bautista identifica al niño que recibe la bendición como tal, mientras que el Arcángel simplemente contempla la escena, dirigiendo su mirada hacia el niño Juan.
La pregunta es: ¿por qué Leonardo pintaría un cuadro así? El no era precisamente un ignorante ni menos poco erudito de los dogmas de la Iglesia. ¿Por que deliberadamente poner una imagen donde destaca la ambigüedad de roles? La version de la Iglesia es que no existe esa poca claridad, ni el gesto de la Virgen y Uriel es amenazante: en ambos cuadros, Jesus es quien bendice a Juan y la mano del ángel no amenaza: señala a Juan Bautista como el profeta al que hemos de escuchar. Y que si hay dos cuadros es porque la ley obligo a Leonardo a hacer el otro, ya que el primero fue vendido a un Sforza. Pero eso no explica por qué en uno hay gestos que se suprimieron en el segundo.
Tan raro como este cuadro es la Adoracion de los Magos. La Adoración de los Magos es un boceto para una pintura encargada por un monasterio de Florencia. Parece ser que Leonardo realizó el trabajo antes de marcharse a Milán. Este cuadro sin terminar de Leonardo no es completamente del autor ya después de unos análisis se descubrió que detrás de las capas de pintura, el cuadro es completamente distinto y posiblemente los tonos anaranjados y marrones no los pintase el propio Leonardo. Pero eso palidece ante la imagen que muestra el cuadro en si. Habria dos adoraciones distintas las que hacen unos personajes casi decrépitos a Jesús y la Virgen María y otra adoración más enigmática. Los adoradores del niño Jesús parecen auténticos muertos vivientes dispuestos a devorarle mientras que un segundo grupo, que parece adorar más un algarrobo ( símbolo asociado al Bautista) , se muestra joven y lozano. Quizás a Leonardo, que también aparece autorretratado en esta obra (aunque de joven) de espaldas al niño, le ocurriese lo mismo que a Umberto Eco, que confesó haber escrito el Nombre de la Rosa en parte por el rabioso deseo de asesinar a un monje conocido suyo. Y es que, más que indicarnos algo sobre la supuesta descendencia de Cristo, la obra de Leonardo parece más encaminada a reflejar su rechazo por la sagrada familia convencional, por su Iglesia, y reivindicar la figura de Juan el Bautista.
Tambien tenemos esta ambigüedad en la Ultima Cena. La última cena es un fresco pintado en una pared del refectorio de Santa Maria delle Grazie, en Milán, Italia. Incluso en la época de Leonardo, esta fue considerada su mejor y más famosa obra. El mural fue realizado entre 1495 y 1497, pero en tan solo veinte años comenzó a deteriorarse, según cuentan documentos de entonces. Mide unos cuatro por ocho metros y está pintado sobre una gruesa capa de temple al huevo sobre yeso seco. Debajo de la capa principal de pintura subyace un esquemático bosquejo compositivo, esbozado en un color rojizo, de una manera que anticipa su habitual uso de cartones como herramienta preparatoria. Se cree que la obra fue probablemente un encargo de Ludovico Sforza, duque de Milán —en cuya corte encontraría la fama Leonardo—, y no de los monjes de Santa Maria delle Grazie. El motivo del cuadro es el momento en el que Jesús acaba de anunciar que uno de sus discípulos lo traicionará. Las identidades de cada uno de los apóstoles es un tema muy discutido, pero, según las inscripciones que hay en una reproducción de la obra que se guarda en Lugano, son, de izquierda a derecha: Bartolomé, Santiago el Menor, Andrés, Judas, Pedro, Juan, Tomás, Santiago el Mayor, Felipe, Mateo, Judas Tadeo y Simón el Cananeo. Muchos historiadores del arte creen que la composición puede considerarse una interpretación iconográfica de la Eucaristía, dado que Jesús está señalando con las dos manos al pan y al vino que hay sobre la mesa. Otros dicen que solo está reflejado el anuncio de la traición. Sin embargo, en lo que sí coinciden la mayoría de los historiadores del arte es en que la mejor posición para ver la obra es a unos cuatro metros sobre el nivel del suelo y entre unos siete y nueve metros de distancia. Algunos afirman que la composición y su sistema de perspectiva están basados en un canon musical de la proporción, aunque es algo que se ha rebatido recienteme
Lo raro de este cuadro radica en la serie de gestos poco claros: la actitud cuanto menos violenta de Pedro respecto a San Juan/La Magdalena, el cuchillo con el que parece amenazar a otro discípulo, la ausencia de los elementos propios de la eucaristía y de carne en la mesa, la ambigüedad sexual del mismo Juan que puede hacernos pensar que se trata de María, su ropa, el omnipresente gesto del Bautista, la colocación de un autorretrato de Leonardo de espaldas a Cristo, la iluminación de los personajes (oscuros del lado de Pedro, claros del lado de Leonardo), la ausencia de aureolas o incluso la alineación de los apóstoles y la elección de sus modelos (los contertulios de Leonardo en el cuadro bien podrían ser Sócrates y Platón).
Carl Orson y Sandra Miesel en su libro La trampa Da Vinci (2004) citan al gran crítico de arte Steinberg describiendo los personajes de la escena: “Andrés (de izquierda a derecha) es seguido por Pedro, Judas y Juan, los tres cuya identidad en el mural nadie ha puesto en duda”. Incluso explica que la razón de dicha agrupación se basa en que son los tres que van a tener un papel a representar en la inmediata Pasión, negando, traicionando o acompañando a Jesús. Steinberg señala incluso que hay emparejamientos significativos en la pintura, mostrados a través de la proximidad de las cabezas. Por ejemplo, el de Pedro y Juan, que habitualmente aparecen como compañeros, significan uno la vida activa y otro la contemplativa. Así, mientras Pedro se encarama con energía, Juan permanece tranquilo, interiorizando la triste noticia. Ademas, otros indican que en relaidad Pedro no amenaza a Juan, dicha mano ofrece una relación de confianza e intimidad entre Pedro y Juan, denotando la necesaria comunicación entre ambos tras oír las palabras de Jesús. Pero en "La revelación templaria" Clive Prince y Lynn Picknett contradicen lo anterior: , creen que la figura a la derecha de Jesús (izquierda según se mira), no es en realidad Juan, sino una figura femenina. En contraste con Jesús, viste un ropaje colorido y se inclina en la dirección opuesta a la figura central de aquel, con lo que el espacio entre ellos forma una «V» y sus cuerpos, una «M». Prince y Picknett alegan que esta inusual alineación de las figuras, unida a los rasgos femeninos de «Juan», muestra que esta figura representa, en realidad, a la misma María Magdalena, dado que la «V» es el símbolo de la Divinidad Femenina y la «M» corresponde a Marta y a Magdalena. Lo que está claro es que, esté uno de acuerdo o no con esta hipótesis, se trata de una interpretación original y apasionante, y que hace falta trabajar más en esta parcela. Y ahora llegamos a la famosa mano sin cuerpo. En segundo lugar, cercana a la figura de Pedro, parece haber una mano que sujeta un cuchillo y que no pertenece a cuerpo alguno. Y luego el gesto repetido de la mano indicando el cielo.
Bueno, si es posible tratare de conseguir ese documental, pero lo que me fascina de Leonardo es como fue capaz de hacer tantas cosas en tan poco tiempo.
Leonardo Diario de Vida
http://www.badongo.net/file/2615837Leonardo Tratado de pintura y Escritos literarios (italiano) Notas (ingles)
Bocetos pictoricos
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